Maricris Floirendo Brias is a designer and cultural advocate who masterfully blends indigenous Filipino artistry with modern design. As Creative Director of TADECO Home, she creates eco-friendly home and decorative pieces using natural materials, while empowering local communities and preserving cultural heritage.​

A graduate of Graphic Arts from Goldsmiths College, University of London, Maricris founded the TADECO Livelihood and Training Center in 1989. What began as an initiative to provide employment for the wives and dependents of plantation workers has grown into a powerful platform for sustainable design rooted in tradition.​

She works closely with ethnic communities, particularly the T’boli and Mandaya tribes, who handweave materials such as abaca (T’nalak) and banana fiber using age-old techniques. Her designs, inspired by nature’s organic forms, transform these indigenous materials into contemporary pieces that reflect both ecological consciousness and cultural integrity.

​Through her work, Maricris has redefined Filipino craftsmanship—honoring ancestral knowledge while shaping a future where design, sustainability, and heritage coexist beautifully.

​She lives by this: “The Past and Present can coexist in Harmony.”

Maricris Floriendo-Brias est designer et défenseur culturel qui maîtrise la fusion entre l’art autochtone philippin et le design moderne. Directrice créative du TADECO Home, elle réalise des pièces  éco-soutenables, domestiques et décoratives, avec des matériaux naturels, tout en soutenant les communautés locales et entretenant l'héritage culturel.

​Diplômée dans les Arts Graphiques de Goldsmiths College, University of London, Maricris a fondé le TADECO Centre d'Entraînement et de Subsistance en 1989. L’initiative originale d’offrir un emploi aux femmes et dépendantes des travailleurs des plantations est depuis devenue une plateforme puissante pour le design soutenable basé sur la tradition.

​Brias travaille en concert avec les communautés ethniques, notamment les tribus T’boli et Mandaya qui tissent par main les matériaux d’abaca (T’nalak) et fibre de bananier à travers des techniques millénaires. Ses designs, inspirés des formes organiques de la nature, transforment ces matériaux indigènes qui reflètent à la fois la conscience écologique et l'intégrité culturelle.​

À travers son travail, Maricris redéfinit l’artisanat philippin––rendre hommage au savoir-faire ancestral en tant que former un future dont le design, la durabilité, et l’héritage cohabitent vivement.​

Elle vit par ces mots: « le passé et le présent peuvent coexister en harmonie »

Jaime Brias is a multidisciplinary creative with expertise in design, strategy, and business. He earned a BFA in Industrial and Product Design from the Rhode Island School of Design (2016) and an MS in Strategic Design and Management from Parsons School of Design (2020). Currently, he is completing an MA in Art Business at Sotheby’s Institute of Art in London (2025).

​Jaime began his career in New York, working under a creative director at a design studio, refining his skills in product development and branding. In 2021, he returned to the Philippines to work with Tadeco Home, designing products showcased at Ambiente in Frankfurt, Germany, Maison et Objet in Paris, France, and FAME Manila in the Philippines. His work blended craftsmanship with modern design, focusing on sustainability and innovation.​

Now based in London, Jaime works as an art consultant, leveraging his diverse background to navigate the intersection of art, design, and business. He continues to collaborate on design projects with Tadeco Home and other Philippine-based initiatives. With a strong background in management, strategy, and operations, Jaime has led initiatives in project management, UX/UI, and e-commerce, optimizing business processes and enhancing market positioning.​

Bridging design, business, and strategy, Jaime remains dedicated to cultural preservation and innovation, ensuring traditional craftsmanship thrives in contemporary markets.

Jaime Brias est créatif multidisciplinaire avec expertise en design, stratégie et entreprise. Il a reçu sa licence en beaux-arts en Design Industriel et du Produit à Rhode Island École du Design (2016), et sa maîtrise de sciences en Gestion et Design Stratégique à Parsons École du Design (2020). À présent, il termine sa maîtrise d’art en Commerce de l’Art à l’Institut d’Art Sotheby’s à Londres (2025). ​​

Jaime a commencé sa carrière dans un atelier de design à New York, affinant sous un directeur créatif ses compétences en développement de produits et marquage. Il est retourné aux Philippines en 2021 pour travailler avec Tadeco Home, concevant des produits présentés à Ambiente à Francfort, en Allemagne, Maison et Objet à Paris, en France, et FAME Manille aux Philippines. Son travail mêle l’artisanat et le design moderne, se concentrant sur l’innovation et la durabilité.​​

À Londres actuellement, son travail de conseiller d’art tire parti de sa formation divers pour naviguer le croisement de l’art, le design et l’entreprise. Il continue ses collaborations avec Tadeco Home et d’autres initiatives philippines sur des projets de design. Bien formé dans la gestion, stratégique, et opérations, Jamie a dirigé des initiatives en gestion de projet, UX/UI et e-commerce, optimisation des processus métier et amélioration du positionnement sur le marché.​​

En comblant les lacunes entre design, entreprise et stratégie, il se dédie toujours à la préservation et l’innovation culturelle, et la réussite de l’artisanat traditionnel dans les marchés contemporains.

Olivia d’Aboville is a French-Filipino artist who graduated with honors from ESAA Duperré in Paris in 2009. In her work, she explores the relationship between the organic and the synthetic in both aesthetic expression and in her choice of materials. Her artistic vision is rooted in her rigorous and unconventional approach to textile techniques and her commitment to using natural fibres from the Philippines such as abaca, raffia and silk, or recycled/up-cycled materials to address concerns about the environment. Since 2015, she has been using contemporary handwoven Philippine textile in her works. Her signature materials are the shibori silk handwoven and hand dyed in Palawan by Rurungan Sa Tubod Foundation and handwoven abaca from Cebu Interlace. Hotels such as the Hilton Manila, Solaire Casinos and Resorts, the Sheraton Manila, Conrad Hotel, Admiral Hotel and Dusit Davao have commissioned her works.

​D’Aboville has exhibited in group shows in Paris (Museum of Modern Art), New York (Lincoln Center), Lyon (Museum of Textiles and Decorative Arts), Hong Kong (Polytechnic University), Singapore (Marina Bay and Art Stage), Tokyo (Tokyo Midtown Design Hub) and solo shows in Manila (Ayala Museum, Altro Mondo Arte Contemporanea, Artinformal, Art Anton, Galerie Anna, Art Elaan). Since 2015, her installation Giant Dandelions, large flower lights made out of 9,000 recycled water bottles tours Light Festivals in Europe. ​

Her works range from textile jewelry, to sculptures, to lighting designs and installation art.​

Olivia d’Aboville est une artiste française-philippine diplômée avec les honneurs à l'ESAA Duperré en 2009. Son travail concerne de la relation entre l’organique et le synthétique, à travers son expression esthétique aussi bien que son choix de matériaux. Sa vision artistique est basée sur sa démarche rigoureux et non conventionnel sur les techniques de tissu et son engagement envers l’usage des fibres endémiques du philippines, y compris abaca, raphia et soie, ou même les matériaux recyclés/sur-cyclés pour répondre aux problèmes de l’environnement. Depuis 2015 elle utilise des tissus philippins contemporains tissés à la main. Ses matériaux signatures sont la soie shibori, tissée et teinte à la main à Palawan par fondation Rurungan Sa Tubod, et l’abaca tissé à la main par Cebu Interlace. Les hôtels comme Hilton Manila, Solaire Casinos and Resorts, le Sheraton Manila, Conrad Hotel, Admiral Hotel et Dusit Davao ont commandé ses œuvres. ​

D’Aboville a présenté dans des salons à Paris (MAM), New York (Lincoln Center), Lyon (Museum of Textiles and Decorative Arts), Hong Kong (Polytechnic University), Singapore (Marina Bay and Art Stage), Tokyo (Tokyo Midtown Design Hub) et des expositions individuelles à Manille (Ayala Museum, Altro Mondo Arte Contemporanea, Artinformal, Art Anton, Galerie Anna, Art Elaan). Depuis 2015 son installation Pissenlits Géants, grandes phares en formes de fleurs façonnées de 9,000 bouteilles d’eau recyclées, fait le tour des festivals de lumière européens.

Ses travaux vont de la joaillerie en textile, à la sculpture, au design de lumière, à l’art d’installation​​

Neil Felipp San Pedro began his design journey as a student of Industrial Design in the University of the Philippines Cebu. Straight out of an intensive apprenticeship with world-renowned furniture designer, Kenneth Cobonpue and while immersed in the family business of manufacturing and exporting metal components and accessories, Neil designed a bag for his mother. It was in this experience that he found his passion in using brass work for fashion accessories.​

Neil Felipp San Pedro started his eponymous label in 2010. In the years that followed, the brand Neil Felipp has gathered recognition from both local and international press, editors, stylists, celebrities, and a discerning and loyal clientele who keep his passion for designing ethereally elegant minaudieres and accessories alive.​

Awards and recognitions to his credit include the British Council’s Look of Style Awards Accessory Category Winner in 2014 which sent the designer to Sheffield Hallam University in the UK to further hone his craft, Preview Magazine’s Rising Creatives, a mention in the book Rich People Problems by bestselling author Kevin Kwan, and costume credits in the movie adaptation of Crazy Rich Asians, among others.​

Neil Felipp San Pedro a commencé son trajet de design en tant qu’étudiant du Design Industriel à L’Université des Philippines Cebu. Tout droit sorti d’un apprentissage intensif avec meublier renommée Kenneth Cobonpue, immergé dans l’entreprise familiale de la fabrication et exportation des composants et accessoires métalliques, Neil désigne un sac pour sa mère. À travers cette expérience, il trouve sa passion pour utiliser le laiton dans les accessoires de mode.​

Neil Felipp San Pedro commence sa marque éponyme en 2010. Dans les années suivantes, la marque Neil Felipp a récolté la reconnaissance, au pays et à l’étranger, de la presse, éditeurs, stylistes, célébrités, et une clientèle exigeante et fidèle qui alimentent sa passion pour créer des accessoires et minaudières éthérées et élégantes. ​

Parmi ses récompenses, le prix Look of Style Awards du British Council, catégorie Accessoires, en 2014 qui a envoyé le designer à Sheffield Hallam University au Royaume Uni pour peaufiner son art; Preview Magazine’s liste de créatifs émergentes; une mention particulière dans le roman à succès Crazy Rich Asians par Kevin Kwan et crédits de costume dans l’adaptation cinématographique, entre autres.

Leeroy New is a multidisciplinary artist whose practice manifests in large-scale immersive environments, costuming, collaborative performances and video works driven by concepts of world building, myth-making, and social change. His use of natural materials found objects and assorted discards transformed into representations of a specific speculative future intersects Filipino contemporary life, pre-colonial mythology, and environmentalism. This eventually led to the creation of the Aliens of Manila project, an ongoing multi-platform collaborative series which documents “alien” bodies inhabiting Manila’s colorful yet often harsh streets as well as beyond its shores.​

Since 2008 New has been invited to present his unique brand of Filipino sci-fi across North America, Australia, Europe, and Asia. Recently he’s shown at the Palais de Tokyo 2019, Biennale of Sydney 2022, Honolulu Triennale 2022, Somerset House 2022, and was selected to build an installation for Burning Man 2020. He had recently completed a residency with the Fukuoka Asian Art Museum and a commission for the Bentway Conservancy in Toronto, Canada.​

New is a recipient of the Ateneo Art Awards in 2008, the Cultural Center of the Philippines 13 Artists Awards in 2012, and Asian Cultural Council arts grant in New York in 2015. In 2011 his sculpted silicone bustier was featured in Lady Gaga’s “Marry the Night” music video.

Leeroy New est un artiste multidisciplinaire dont la pratique se manifeste dans des environnements immersifs de grande taille, costumes, performances collaboratives, et vidéos, dirigés par les conceptions de création des mondes, mythes et changement social. Sa transformation des matériaux naturels, objets trouvés, et déchets assortis en représentations des avenirs spéculatifs croise la vie contemporaine philippin, la mythologie précoloniale, et l’environnementalisme. Tout ceci a conduit éventuellement à la conception du projet Aliens of Manila, une série en cours collaboratif et multi-plateforme, qui documente les corps « extraterrestres » qui peuplent les rues à la fois éclatantes et sévères de Manille, aussi bien qu’au delà de ses rives.​

Depuis 2008 New est invité à présenter sa marque unique de science-fiction philippin aux États-Unis, en Australie, en Europe, et en Asie. Il a exposé dernièrement au Palais de Tokyo 2019, Biennale of Sydney 2022, Honolulu Triennale 2022, Somerset House 2022, et a été sélectionné pour une installation dans Burning Man 2020. Il a récemment terminé une résidence au Fukuoka Asian Art Museum et a été commandé par le Bentway Conservancy à Toronto, Canada.​

New a reçu le prix Ateneo Art Awards en 2008, le Cultural Center of the Philippines 13 Artists Awards en 2012, et la subvention d’arts de l’Asian Cultural Council à New York en 2015. En 2011, Lady Gaga a porté son bustier silicone sculptural dans le clip « Marry the Night ».

Christina Borromeo-Gaston is the Senior Designer & Managing Director of Hacienda Crafts Company, an ENVIROSOCIAL DESIGN company based in Manapla, Negros Occidental.​

With design forethought and a commitment to helping farmers and their families make better lives for themselves, Christina provides the template against which Hacienda Crafts thrives.

​Born and raised in Cebu, where she finished her degree in Architecture, she moved to a sugarcane plantation in Manapla, Negros Occidental, Philippines where she settled down. Here, she applies her Architecture design skills, blending past & present experiences with everyday farm life to create pieces that communicate her love for nature and craft. Applying traditional weaving skills with abundant and sustainable natural materials, she works alongside artisan communities to bridge gaps and tell stories. Her work transcends the boundaries of space and time, working with her heart and hands to find reason for her artistry.

Christina Borromeo-Gaston est concepteur principal et directrice générale du Hacienda Crafts Company, une compagnie de DESIGN ENVIRO-SOCIAL, basée à Manapla, Negros occidental.​

Sur une préméditation de design et un engagement à aider les fermiers et les familles d’agriculteurs à s'autonomiser pour une meilleure vie, Christina a fourni le modèle sur lequel Hacienda Crafts s’épanouit. ​​

Née et élevée à Cebu, où elle a réussi un diplôme en architecture, elle s’est finalement installée dans une plantation de sucre à canne à Manapla, Negros occidental, Philippines. ​​D’ici elle s'appuie sur ses compétences en conception architecturale, entremêlant ses expériences passées et présentes avec la vie quotidienne agricole pour créer des pièces qui transmettent son amour pour la nature et l’artisan. En appliquant les savoir-faire traditionnels du tissage sur des matériaux abondants et soutenables, elle travaille aux côtés des communautés artisanales pour combler les fossés et raconter des histoires. Son travail dépasse les limites de l’espace et du temps, un travail du main et du cœur pour trouver la raison de son art.

Milo Naval is a Filipino designer renowned for his minimalist yet notable modern furniture and interior designs. He studied architecture at the University of Sto. Tomas and finished Interior Design at the Philippine School of Interior Design (PSID). He began his career designing residential interiors and later expanded into corporate and commercial spaces.

​In 1997, he founded Evolve Designs, a company that exports contemporary furniture to Europe, the United States, Australia, and the Middle East. His signature style is marked by clean, simple, and fuss-free designs incorporating indigenous Filipino materials such as abaca and raffia combined with modern aesthetics. His work has been featured at prestigious events, including Maison & Objet in Paris, I Salone in Milan, and the International Contemporary Furniture Fair (ICFF) in New York.​

Milo has received numerous awards, including the G-Mark and Best Product Design awards at Manila FAME. As the visionary behind OMO Furniture, Siama Hotel, and Siama Surf, he curates experiences that reflect his timeless, nature-inspired ethos. As a founding member of the Movement 8 design collective, Milo continues to promote Philippine design globally, blending innovation, craftsmanship, and understated elegance.

Milo Naval est un créateur philippin renommé pour ses meubles et design d’intérieur minimaliste toutefois notamment moderne. Il a étudié l’architecture à l'Université de Sto. Tomas, et a fini le design d’intérieur au Philippine School of Interior Design (PSID). Sa carrière a commencé dans les intérieurs résidentiels, suivi par les espaces corporatifs et commerciaux. ​

En 1997, il fonde la compagnie Evolve Designs, exportateur des meubles contemporains à l’Europe, les États Unis, Australie, et le Moyen-Orient. Son style caractéristique est visible dans ses designs nets, simples et sans tracas, qui incorporent les matériaux autochtones philippins, comme le raphia et l’abaca, avec les esthétiques modernes. ​Ses travaux ont été présentés dans des événements prestigieux, parmi eux Maison & Objet à Paris, I Salone à Milan, et l’International Contemporary Furniture Fair (ICFF) à New York.

​Milo a reçu de nombreuses récompenses, y compris les prix G-Mark et Best Product Design à Manila FAME. ​Le visionnaire derrière OMO Furniture, Siama Hotel, et Siama Surf, il est curateur d'expériences qui reflètent son ethos de nature intemporel. En tant que membre fondateur du collectif de design Movement 8, Milo continue à mettre en vitrine le design philippin sur l'échelle mondiale, mêlant l’innovation, l'artisanat et l'élégance discret.

Jude Tiotuico is the creative director and part-owner of Industria Edition, a manufacturing company known for bespoke handcrafted metal furniture from Pampanga, Philippines. With over 30 years of experience, Tiotuico has driven Industria’s success, blending award-winning craftsmanship, creative collaborations, and innovative design. He began his journey in metal manufacturing from his backyard, eventually showcasing his creativity through artisanal home pieces presented in various exhibitions and trade shows at home and abroad. This led to the refinement of Industria’s brand, which aligned with the modern, international tastes of their growing clientele.

​In the mid-2000s, Tiotuico partnered with interior designers like Eric Paras and Budji Layug, fostering key collaborations that elevated the brand. Signature pieces such as the Bordeaux lounge chair and Loopy lounge chair exemplified Industria’s fusion of sculptural design and practicality. His design values centered on organic forms, nostalgia, and human practicality, linking art and furniture.​

Between 2018 and 2023, Tiotuico expanded into public sculptures, creating works like “Entwined,” “Pagahon,” and “Lambat,” which showcased his skills in material manipulation. In 2023, he contributed to  a project of the Design Center of the Philippines, helping local metal crafters blend tradition with technique to produce swords, cutlery, and ornaments. Tiotuico continues to explore new avenues, pushing the boundaries of metalwork into sculpture, architecture, and everyday objects.​

Jude Tiotuico est directeur créatif et copropriétaire de l’Industria Edition, une compagnie de manufacturière connue pour ses meubles faites à main sur mesure, du Pampanga, Philippines. Avec ses 30 ans d'expérience, Tiotuico dirige le succès d’Industria en mêlant l’artisanat recompensé, les collaborations créatives, et le design innovatif. Son trajet dans la fabrication des métaux a commencé dans son jardin; il présentera ensuite sa créativité parmi plusieurs œuvres artisanales faites maison dans divers expositions et salons professionnels au pays et à l’étranger. Cela rapportera le raffinement de la marque Industria, répondant aux préférences modernes et globales de leur clientèle grandissante.​

Au milieu des années 2000, Tiotuico s’associe avec les designers d’intérieur Eric Paras et Budji Layug, fournissant les collaborations clés pour la marque. Les pièces maîtresses telles que les chaise longues Bordeaux et Loufoque incarnent la fusion de design sculptural et l'aspect pratique d’Industria. Ses valeurs de design sont centrées sur les formes organiques, la nostalgie, et la praticité humaine, reliant l’art et le mobilier.

​Entre 2018 et 2023, Tiotuico s’étend dans le monde de la sculpture publique et réalise des œuvres y compris “Entrelacé”, “Pagahon” et “Lambat”, qui démontrent ses talents en manipulation de matériaux. En 2023 il rejoint le Centre du Design des Philippines pour aider les artisanats locaux de métal à mêler la tradition et la technique en produisant des sabres, de la coutellerie, et des ornements. Tiotuico continue à explorer de nouveaux moyens de repousser les limites de la métallurgie dans la sculpture, l’architecture, et les objets quotidiens.​